En honor a la sensualidad pérdida, recomiendo:

Bailen.

Suaves.

Delicados.

Y Disfruten del sábado.

In-Edit: Marc Bolan, ahí llega el pequeñín

De nuevo fuimos al inedit, y algo que ya se repite año tras año es que la gente se presenta vestida como si se fuera al puñetero razz, ahí los tienes, la modernidad barcelonesa, el pico de lanza del progresismo nacional, haciendo cola a media tarde con sus galas más desenfadadas, el Dylan de extrarradio, las Winehouses gordas, sobretodo mucho Ferdinand y algún que otro Doherty fuera de lugar. Y entre ellos nunca falta el que aparece completamente drogado, como esperando encontrar alguna especie de revelación divina a mitad de proyección, y ya de paso haciendo la espera más amena al resto con sus continuos aspavientos. Porque otra cosa es que allí la gente se mira mucho, ni idea de por qué, supongo que por las pintas, seguro que nos debemos mirar como un 75% más de lo normal, en fin, yo me he repasado a toda la concurrencia unas varias veces y la espera ha sido muy divertida, aunque también ha ayudado la marihuana que fumé antes de salir de casa y que a ratos amenazaba con convertirme en el drogadicto de la sesión, vamos, hasta que he sido salvado in extremis por un tío que olía a vino de mesa, pero en fin, quién es nadie para juzgar, a las pelis del inedit quien más quien menos se presenta entonado, y no hay nada malo en ello, como ya hemos dicho es casi como ir al razz. La peli, bueno, está muy bien, Marc Bolan es el reverso tenebroso de los Beatles, un Elvis rociado de purpurina, una bujarra eléctrica que me parece lo más.

estoy por pajaro

Por ciertas razones ludicosentimentales me encuentro estas últimas semanas en barbecho literario, a Yuri lo tengo más congelado que a Walt Disney y básicamente escribo especificaciones técnicas y mails de mal gusto. Aún así, y a pesar del dolor que me produce abrir el procesador de textos, debo alzarme al lado de nuestro enajenado amigo y despreciar cualquier tipo de presión a una crítica únicamente fundamentada en la camiseta del director en la rueda de prensa, al derecho inalienable a pensar que algo es una mierda simplemente ‘porque si’, a desconfiar de los árabes que se sientan a tu lado en un avión, a que te gusten los toros y el porno geriátrico, al odio sin cuartel a cualquier infraser que escuche música con su móvil, y más si es bachata o regeton, y ante todo estoy por la persecución sin cuartel a cualquiera que amparado tras su conexión adsl se crea en posesión de un estado evolutivo tan avanzado como para juzgar cualquiera de estos posicionamientos, porque si existe un atajo infalible hacia el gilipollismo extremo ese es el de lo políticamente correcto.

"Última Sesión"

Ya está disponible el trailer de la primera película de Francesc Páez Peñarroya, con la interpretación de Paco Morán. Proximo preestreno de la película el dia 1 de noviembre a las 20:00 en la Mostra de Cinema de Mataró, en el teatro Monumental.

Como apunte, este joven realizador de Mataró, es un exalumno de nuestro querido "Master" Juan Carlos...

La Casa de la Pradera

No señores no, no era tan bueno Michael Landon como lo pintaban. Y si no miren y asombrense como observa con una amplia sonrisa como sus hijas bajan monte abajo como potrillas desbocadas hasta que finalmente la pequeña Carrie se da la santa hostia...
¿Que padre se quedaría impávido ante tal catástrofe...? Miren y juzguen...

Todo un clásico de espíritu casi eterno por el que si pasan los años pero siguen repitiendo cada cierto tiempo en nuestras pantallas...

Opening



Ending



Y para que veáis que no se trataba de una serie tan blanca y pura como nos quisieron vender, las precursoras de las tan admiradas peleas en el barro de chicas con Laura (la hija mediana, la de las trenzas) y la repelente Nellie (la rubia hija del tendero o algo así si no recuerdo mal, la pudiente para entendernos). Directamente de la pradera a la discoteca...



Autor del post en Opending: Grey

OPENDING, The Last Recopilation...

OPENDING fue un blog actualmente en desuso en el que algunos nos dedicábamos a publicar los openings y endings (créditos iniciales y finales) de series y programas mayoritariamente antiguos. Siempre buscando un toque de humor.

Dado que los créditos forman parte del cine y la televisión, temas que parece ser son tratados por estos lindes, iré publicando aquí los antiguos posts de aquel blog, para que no caigan en el olvido...

Espero que guste y resulte divertido. Algún que otro ataque de nostalgia puede aparecer también...

Ciudad sin Sueño

Hace ya algunos años, tuve la oportunidad de poder ver algunas de las obras del creador Víctor Sarabia. Y además poder comentarlas al coincidir con él en los pases de estas.

Hoy, navegando por la WWW he topado con la que (por aquel entonces, ya que sinceramente perdí la pista hace tiempo) fue su obra que más me gustó.

Se trata de un videomontaje en el que el hilo conductor es el poema de Federico García Lorca "Ciudad sin sueño", MAGISTRALMENTE musicado por el absolutamente inmenso maestro Enrique Morente y Lagartija Nick. Un tema publicado en el GRANDIOSO álbum "Omega".

Cierto es, que con semejante hilo conductor parece que deba ser fácil arrancarse en un arrebato de inspiración y que cualquier cosa que hagas resulte o parezca una obra de arte. Pero en realidad es mas sencillo desentonar y dar la impresión que no has hecho justicia.

Ahora, lo que tampoco sería justo es no reconocer, que pese a lidiar con cotas inalcanzables para la mayoría, se puede llegar a un resultado más que digno, como es el caso de "Ciudad sin sueño" por Víctor Sarabia... Felicidades...

Dejaos llevar y disfrutad del momento...

Conversaciones con Martin Scorsese

Solo una palabra: "Scorsese" 2007




Bonustrack: "The Big Shave", uno de los primeros trabajos de Martin...

Partly Cloudy

Cortometraje de Pixar que se emite en algunas salas previamente al visionado de "Up".
Divertido, gracioso, sin palabras, en la linea de los cortos de Pixar... Disfrutadlo.



En el caso de desaparecer o si se quiere ver a mayor calidad linkar en:

Videolog

Mapa de los sonidos de mi cerebro

Hay veces que sientes que una peli te tiene que gustar como por obligación. Piensas y dices… "estaba de puta madre: buenos actores, buena música, plasticidad en las imágenes, ambiente cool, comida japonesa, historia súper dramática que debería tocarte la fibra…". Pero no. En el fondo, no te ha gustado. Lo sabes. Y de pronto, te encuentras inmerso en conversaciones pseudointelectualoides en las que todo el mundo alaba ese producto que tú no has aprobado del todo y empiezas a preguntarte por qué ese cuento para adultos made in Coixet no te ha llegado al alma como al resto de los mortales guays que te rodean bebiendo vino blanco. Conclusión: no debería beber vino blanco con según qué gente.

A mí lo que hace Isabel Coixet, en general, siempre me ha gustado. No vi Elegy, pero sí todas las demás. Contra todo pronóstico, Map of the Sounds of Tokyo me ha decepcionado. Se queda en la superficie de una historia que podría dar mucho más de sí. Además, la Coixet se gusta demasiado a sí misma, ¿no?… parece como si, escribiendo y rodando, pensara "buah, sóc l'hòstia amb patinet!". La lectura poética de la historia se queda en un envoltorio muy bello para algo que merecía más contenido, ¿no os parece? Prácticamente no sabemos nada de la pescadera/asesina… y eso dificulta poder empatizar más con ella y con su sufrimiento continuo… Por no mencionar lo desaprovechado que está Sergi López… Entiendo que son dos seres solitarios que comparten el sexo como vía de escape y punto en común en el que encontrarse y huir de sus vidas truncadas… pero no logro acercarme a ellos.

Siempre he estado fuera de la peli y no he parado de preguntarme qué hacía ese viejo fan de los sonidos entrando y saliendo de la historia como por arte de magia. Sí, todo muy original y extraño como lo debe ser Tokyo para un occidental desubicado tipo Bill Murray en mi adorada Lost in Translation… pero sin más. Los del vino blanco citaban a Wong Kar Wai… sí, vale. Etcétera, etcétera. Si yo también sé que Map of the Sounds of Tokyo puede ser valorada como objetivamente buena. Pero a mí no me lo ha parecido tanto. Quizás tenga la culpa el tío de al lado… que en medio de silencios supuestamente cargados de significado, me distraía con el "crec-crec" incómodo de sus ruidosas palomitas… yo qué sé.

¿Alguien la ha visto? ¿Qué os ha parecido?

Crítica Fotogramas

Crítica Variety

Visionado de la ECAM

Las obras de promociones de la ECAM en esta web:

http://www.rtve.es/television/cortosdelaecam.shtml

BSO Where The Wild Things Are

Por petición de PAJARO LOCO.



Karen O (vocal de Yeah Yeah Yeahs) tiene a su cargo realizar el soundtrack de la película “Where The Wild Things Are” de Spike Jonze. El día de ayer estrenó la canción “All Is Love”, en la cual está acompañada de un coro de niños no entrenados, ello le da un aire cargado de inocencia al tema.

El tema ya está disponible para ser escuchado via stream a través de la cuenta de myspace de “Where The Wild Things Are”. En el soundtrack de esta adaptación del libro para niños de Maurice Sendak también aparecerán Bradford Cox de Deerhunter, Dean Fertita y Jack Lawrence de The Dead Weather, Aaron Hemphill de Liars, Greg Kurstin de The Bird and the Bee, Oscar Michel de Gris Gris, Imaad Wasif de New Folk Implosion y Alaska y los integrantes de Yeah Yeah Yeahs’ Nick Zinner y Brian Chase, a todos ellos, Karen O los llama “The Kids”.

Arcade Fire aparece también aunque el aporte realizado por ellos está en el trailer de la película con la canción “Wake Up”. El soundtrack estará disponible desde el 29 de setiembre y el estreno de la película será el 16 de octubre. All Is Love puede ser adquirida via descarga a través de iTunes.

La canción "Arcade Fire - Wake Up" (Especialmente para PAJARO LOCO)

Bonustrack 1: "David Bowie & The Arcade Fire - Wake Up"



Bonustrack 2: Karen O & The Kids - All Is Love



(Información extraida de Código Musica.)

La Peor Pelea de la Historia del Cine

Esto es algo que publiqué ayer en el Facebook después de verlo en TV.
Definitivamente pienso que se hace imprescindible darle un espacio en forma de publicación en el blog, y es que incluso el Capitán del Enterprise tuvo su epoca de Cabo Chusquero...

La peor pelea de la historia del Cine



Y de postre

Syd Field - El manual del guionista

Pongo a vuestra disposición un enlace para que os podais descargar este libro de Syd Field en PDF.
Que cada uno le de el uso que crea más apropiado...


Alojado en Rapidshare:
Syd Field - El manual del guionista

Alojado en Mediafire:
Syd Field - El manual del guionista

(Los dos enlaces son el mismo libro)

Visual Effects: 100 Years of Inspiration

A lo largo de los años el cine ha evolucionado mucho. Y los efectos especiales que se usan por ende también.
En este video titulado "Visual Effects: 100 Years of Inspiration" se ha hecho un recopilatorio de los avances que a las distintas generaciones les han hecho soñar.
Y es que al fin y al cabo el cine trata un poco de eso, de dar forma a sueños para que al verlos fuera de nuestras cabezas nos acaben pareciendo más posibles, más cercanos...

Las peliculas que aparecen son las siguientes:

1900 - The Enchanted Drawing
1903 - The Great Train Robbery
1923 - The Ten Commandments (Silent)
1927 - Sunrise
1933 - King Kong
1939 - The Wizard of Oz
1940 - The Thief of Bagdad
1954 - 20,000 Leagues Under the Sea
1956 - Forbidden Planet
1963 - Jason and the Argonauts
1964 - Mary Poppins
1977 - Star Wars
1982 - Tron
1985 - Back to the Future
1988 - Who Framed Roger Rabbit
1989 - The Abyss
1991 - Terminator 2: Judgement Day
1992 - The Young Indiana Jones Chronicles
1993 - Jurassic Park
2004 - Spider-Man 2
2005 - King Kong
2006 - Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest
2007 - Pirates of the Caribbean: At World's End
2007 - The Golden Compass
2008 - The Spiderwick Chronicles
2008 - The Curious Case of Benjamin Button

Faltan algunas con efectos inolvidables, pero se agradece que en un espacio tan reducido podamos ver un resumen de algo tan extenso.

Dale al play!!!

Dalí, Harpo Marx y el guión surrealista que nunca se rodó

Telegrama de Harpo Marx a Salvador Dalí: «Querido Salvador Dalí: he recibido un telegrama de Jo Forrestal diciendo que usted está interesado en mí como víctima. Emocionado ante la idea. El rodaje actual acabará en seis semanas. Si viene al Oeste, estaré encantado de ser embadurnado por usted. Tengo una contrapropuesta: ¿Posaría para mí mientras yo poso para usted? Feliz año nuevo de un gran admirador de «La persistencia de la memoria»».

Se trata del «sí quiero» de Harpo Marx a un maridaje histórico. En 1936, y movido por lo que él consideraba «el cénit del cine cómico», Dalí se puso en contacto con el mudo de los Marx -al que quería retratar- para iniciar una colaboración que se preveía de lo más surrealista. La lástima fue que, a pesar del entusiasmo por ambas partes, las productoras no opinaron lo mismo. «Jirafas en ensalada de lomos de caballo» nunca llegó a rodarse.

Lo que sí se conserva de aquel histórico encuentro es el dibujo que Dalí pintó en su visita al rodaje de «Un día en las carreras», obra que ayer presentaba la Fundación Gala-Salvador Dalí y que recientemente ha adquirido de la casa de subastas Christie´s de Londres por 310.000 euros. En «El piano surrealista» -título de la obra-, además de la iconografía típica del artista, aparece la pareja protagonista del filme fantasma, en el que la lucha entre dos mujeres por el mismo hombre se convierte en «un proceso en el que resulta imposible saber cuál de los dos mundos es más absurdo», decía Dalí.

Un año más tarde de su primera visita, el artista se desplazó a Estados Unidos, donde elaboraron juntos el guión de un filme que de haber llegado a término, habría durado 30 minutos. El argumento, desarrollado durante los descansos del rodaje de otra película de los Marx, Un día en las carreras. enfrentaba a dos mujeres, la mujer surrealista y Linda, ambas enzarzadas en una lucha que reflejaba los dos mundos que representan: el convencional y el imaginativo. El dibujo no es el único recuerdo de aquel proyecto, pues también se conservan algunas notas, una sinopsis mecanografiada y otros dibujos que completan la serie de «El piano surrealista», que se podrá visitar hasta el 30 de septiembre en el Castillo de Púbol y más tarde en el Teatro Museo Dalí.

La Metro rechazó el guión.

Mi aportación al debate sobre toros......

El Brau Blau

Sinopsis

Un joven procedente del mundo de los toros vive aislado en el campo tratando de dar forma a su obsesión: el toreo interior, toreo sin toro. Un camino espiritual basado únicamente en la técnica como fin en sí mismo. Para ello, tras un periodo de formación y entrenamiento, comenzará a construir un espacio propio donde llevar a cabo su gran obra.

Año: 2008
Director: Daniel V. Villamediana
Guión: Daniel V. Villamediana
País: España
Género: Documental

Una secuencia conciliadora....

http://www.youtube.com/user/territoriofilms#play/all/favorites-all/2/ebif84P5RQc

¿Este jueves nos vemos en el CCCB?

Dijous 27 d'agost

A Song for the Lovers, de Richard Ashcroft
Jonathan Glazer, 2001, 6', VO

La conversación (The Conversation)
Francis Ford Coppola, 1974, 110', VOSE
Un detectiu fa virtuosos espionatges sonors. La gravació d'una parella en un parc, aparentment trivial, el sumirà progressivament en un cas irresoluble. Coppola filma el seu particular Blow Up: un thriller fosc i tecnològic, que ens abisma en els enigmes perceptius del so. Palma d'Or a Canes.

HORA: La película empieza a las 22h, pero la gente se vuelve agonías por pillar un sitio, recomiendo vernos a las 20h, ¿alguien me hará compañía a esa hora?

LUGAR: CCCB - Carrer Montalegre, 5

Recomendación: ¡Esta película nunca se estrenó aquí!

La DECisión

Si uno se planteara el motivo por el cual accede a ver una película y no otra, seguramente llegaría a la conclusión que a pesar de interesarse por la crítica, de conocer al director y/o de sentirse llamado por algún comentario de otro lector o incluso de llegarse a fiar de las fotografías del 'report', uno finalmente se guiará por su instinto, algo del estilo 'tiene buena pinta'.

La tarde del domingo me sentía tentada por dos películas, que al parecer solo tenían en común sus primeras tres letras: DESpedidas y DESgracia. La primera recibía el premio a mejor película habla no inglesa en la última edición de los Oscars , de la segunda no tenía constancia de premio. La primera me evocaba cierta esperanza, la segunda evidentemente no.

Ya, frente a las taquillas, pedía amablemente dos entradas que me llevarían hacia el camino de la vergüenza (Disgrace) que es como se refiere Coetzee, el autor de la novela en que se basa esta adaptación, al estado por el que los protagonistas se verán obligados a llegar. David Lurie, profesor de poesía romántica en una universidad de la Sudáfrica postaparheid, muy dado a la entrepierna, es juzgado por el tribunal universitario por abusar de su posición académica para tener una aventura con una joven estudiante mestiza. Lurie, admite su vergüenza y dimite como académico. Decide refugiarse junto a su hija Lucy, que vive en una granja del sudafrica. Pocos días después tres jóvenes negros atacarán a Lurie y violaran a Lucy un día en que Petrus, un hombre negro que echa una mano a Lucy, no está. Las sospechas de Lurie, de que Petrus no estuviera allí ese día, se clarifican el día que descubrimos a uno de los tres jóvenes en una de las fiestas que éste organiza como bienvenida a su nueva casa.

Si algo me llamaba la atención de la película, era como ambos se posicionan tan distintos ante semejante drama. Si bien, nosotros, desde nuestra posición más correcta, más civilizada, seguramente más ignorante, tomaríamos parte de la opinión de Lurie que no logra entender como su hija decide abandonar todo orgullo y permanece allí, como si nada hubiese sucedido. Sometida a la injusticia. Todo sería mucho más sencillo si ella denunciase, ¡es lo justo!, pensarías. Dejo para ustedes el final de la película, en aras de reflexión sobre si resulta vergonzoso creer que así 'todo está bien'. Jacobs, director de la película, y su esposa Anna María Monticelli, guionista de la película se someten justos a la novela, según he leído en demasía. No importa. Su visión controlada no me pareció gélida, más bien fiel a su cometido.

Decía Coetzee en las últimas páginas de Desgracia “uno se acostumbra a que las cosas sean cada vez más difíciles, ya no se sorprende de que lo que era todo lo difícil que podía ser pueda ser más difícil todavía”. Yo reivindico dejarse llevar por su instinto y no por la difícil decisión de tomar un camino u otro, la vida ya es bastante difícil.

En la azotea de Jim Jarmusch

REPORTAJE: cine
En la azotea de Jim Jarmusch
Un recorrido por los escenarios españoles de la última película del cineasta guiado por su cuaderno de rodaje
ELSA FERNÁNDEZ-SANTOS - Madrid - 12/08/2009


Para Francisco Javier Sáenz de Oiza su edificio Torres Blancas de Madrid, construido a mediados de los años sesenta, era un gran árbol cuyas raíces se abrían en el asfalto para luego crecer, redondo y firme, hasta el cielo. Para este arquitecto colosal e iluminado su trabajo consistía en romper los límites y así "transformar un paisaje de cabras en un paisaje de hombres". Torres Blancas es uno de los misteriosos rincones de The limits of control, la última película del cineasta Jim Jarmusch. Un icono de Madrid, o mejor dicho, de lo que pudo haber sido Madrid, que emerge ante la cámara de un hombre que hace suyo aquel sueño truncado de modernidad mesetaria.



Jim Jarmusch lleva años fascinado con el edificio de Torres Blancas
Jarmusch, hijo predilecto de Nueva York, heredero directo de Cassavetes y Jonas Mekas y, en definitiva, padre de lo que hoy conocemos como cine independiente estadounidense, ha convertido el edificio de Sáenz de Oiza en el misterioso hogar de su último héroe. El protagonista de The limits of control es un fuera de la ley, un tipo solitario que cruza las calles de una (¿y por qué no?) exótica Madrid con un traje azul. La tela brilla, como brilla la luz de la ciudad en la que este tipo imperturbable y sin nombre busca la respuesta de un enigma. Como en casi todas las películas de Jarmusch hay poco que contar. Así que, lo mejor será mirar.

Una ciudad, un edificio, un museo, un cuadro, unas cajas de cerillas... Jarmusch rodó la película con un guión de veinticinco páginas y un cuaderno azul entre las manos. El resultado se proyectará en la sección Perlas de Zabaltegi del próximo festival de San Sebastián y se estrenará como Los límites del control en salas comerciales el 2 de octubre. El guión encerraba un esquelético argumento, mientras que el cuaderno era una orgía de referencias visuales: fotografías, recortes, dibujos a mano y en tres dimensiones, carteles de viejas películas, ideas manuscritas, nombres propios de calles, locales y pintores. El mexicano Eugenio Caballero (galardonado con un Oscar por el diseño de producción de El laberinto del fauno) plasmó en él sus largas conversaciones con Jarmusch y sus paseos por Madrid, Almería y Sevilla (las tres principales localizaciones del filme) junto al cineasta y el director de fotografía australiano Christopher Doyle. "Siempre trabajo así", dice Caballero. "Un cuaderno distinto para cada película. Es útil para todos. El cuaderno es nuestro particular traductor de ideas".

El museo Reina Sofía, las calles de Malasaña, la plaza de San Ildefonso, el piano bar Tony 2, la estación de Atocha y, por supuesto, el omnipresente y sinuoso perfil de Torres Blancas, que como el árbol de Alicia en el país de la maravillas abre sus puertas para ofrecernos su misterio.

"Jim Jarmusch solía quedarse en mi apartamento hace años y desde el principio el edificio le fascinó", recuerda José María Prado, director de la Filmoteca Española, viejo amigo del director, asesor cultural del filme y privilegiado dueño de un estudio en uno de los 21 pisos de viviendas de Torres Blancas. Jarmusch ha contado que su fascinación por la obra del arquitecto navarro rozaba lo obsesivo y que siempre pensó en rodar allí.

Al director de Bajo el peso de la ley o Broken flowers le gusta una historia que cuenta que el dueño del edificio se quedó sin dinero y por eso el mármol blanco que inicialmente iba a recubrir la fachada se quedó en cemento gris. O cómo la última planta del edificio, donde está la piscina y el gimnasio, iba a tener también un restaurante y por eso cada apartamento cuenta con una línea directa que hubiera permitido pedir directamente a la cocina desde los pisos. Torres Blancas siempre tuvo cierto aire de genial fracaso, había algo en su ideal que no encajaba en un mundo tan poco generoso con lo desbordante. "¿Por qué en nuestra cultura todo tiene que ser ángulos rectos? ¿Por qué todo tiene que ser tan razonable y cartesiano? Torres Blancas está hecha entera de curvas", señalaba Jarmusch en una entrevista reciente.

"Es un edificio sin ángulos rectos para una historia que también carece de ellos", explica Eugenio Caballero. "La película habla de esa fluidez, de esa libertad de las curvas, esas curvas que nos dan una percepción tan extraña de nuestro entorno, que nos atraen tanto pero que hacen tan complicada la simple idea de colocar un mueble". Caballero habla de una película profundamente "visual" y de cómo su protagonista llega a Madrid y poco a poco establece las conexiones que le llevan a un objetivo que no tiene claro. "La película habla de las diferentes maneras de percibir las cosas, de los diferentes filtros de la realidad y de nuestro permamente ejercicio de encuadre de la realidad es según la miras".

El personaje principal del filme, interpretado por el actor marfileño Isaach De Bankolé, visita insistentemente el Museo Reina Sofía. Se fija en determinados cuadros para luego encontrarlos en su propia realidad. Una vista de Madrid de Antonio López, un instrumento musical de Juan Gris, una tela de gruesas texturas blancas de Tàpies y una mujer desnuda de Roberto Fernández Balbuena. Cada cuadro encierra una clave de la película: la pérdida de color en el final de la ruta o un personaje que se llama simplemente Desnuda. "Fuimos mucho al museo, solo a sentarnos un buen rato y buscar lo que funcionaba para la historia. Existe un cuadro de Antonio López de las vistas desde la azotea de Torres Blancas pero Jim lo descartó y eligió otro porque la ciudad ha cambiado mucho desde allí arriba".

Eugenio Caballero regaló a Jim Jarmusch el cuaderno azul de The limits of control, con todo su viaje dentro. "El cuaderno lo compré en una vieja papelería de Almería, la propia elección del cuaderno, su textura, era una declaración de intenciones. Al final del rodaje se lo di. No suelo hacerlo porque los cuadernos no son un simple ejercicio de estética sino mi principal herramienta de trabajo. Pero esta vez no puede evitarlo. Y se lo regalé. Va más allá de lo mucho que le admiro. Es que más que nunca he sentido que el proceso de hacer esta película era en sí mismo una gran historia".


Inspiración y creatividad
- Joe Strummer. Jarmusch viajó por España con el cantante de The Clash en una furgoneta en cuya parte trasera se leía la frase "La vida no vale nada". Jarmusch pensó que la frase era del propio Strummer hasta que descubrió que era una canción cubana revolucionaria. El tema suena en The limits of control.

- Rimbaud. La película arranca con un verso de El barco ebrio, quizá el poema más grande del poeta adolescente.

- Flamenco. La visita a Casa Patas era obligada. De todos los palos flamencos, Jarmusch eligió las peteneras. Le recuerdan al blues.

- 'A quemarropa (Point blank)'. Para Jarmusch, The limits of control es como aquella película de John Boorman protagonizada por Lee Marvin, pero a la española.

- William Burroughs. El título de la película está inspirado en una frase del autor de El almuerzo desnudo.

FILMS GUION

Añadido otro enlace de interés. Un blog con recursos y opinión sobre guión no muy prolífico pero interesante de revisar...

Films Guión

Saludos...

Dreams On Spec Online

Siguiendo con la noticia publicada por Drosofila, aquí teneis el documental para poder verlo "Online".
Por ahora solo disponible en inglés sin subtitulos. En cuanto disponga de algo más completo lo haré llegar...

Enlace: Dreams On Spec

Saludos...

Una película hecha con 50 euros llega a la gran pantalla

La cinta se proyectará en Sitges

Una película hecha con 50 euros llega a la gran pantalla

Mark Price es un trabajador de una empresa de mensajería que ha roto moldes con su primera película, 'Colin', al conseguir que se exhiba en cines de todo el Reino Unido pese a haberla rodado con un presupuesto de 45 libras, unos 50 euros.

http://www.fotogramas.es/Noticias/Una-pelicula-hecha-con-50-euros-llega-a-la-gran-pantalla

Documental sobre la dura vida del guionista.....

Intercalando entrevistas a guionistas consagrados como James L. Brooks, Nora Ephron, Carrie Fisher, DREAMS ON SPEC proporciona una visión de hasta dónde pueden llegar - y cuánto están dispuestos a sacrificar - para perseguir sus sueños. Este documental sigue a tres guionistas y su lucha contra los elementos - y a menudo la desaprobación familiar - para convertir sus guiones en películas. Ahí es nada.....

http://www.dreamsonspec.com/aboutthefilm.asp

psico party v3.0

Lugar: Tapioles 30 Entresuelo 2ª

Hora: sábado 15 a partir de las 9.30

Convocados: cualquiera que no haya estado seguro de donde estaba su punto de giro

Proposito: alcanzar las cuotas de surrealismo de pasadas convocatorias, emborracharse, no buscar proposito

Tarea: apotar un dialogo (en formato) de máximo 2 páginas en el que aparezcan un niño con fotofobia, una tortilla de patatas y cinco monjas con escopetas.

Confirmar presencia en los comentarios.

Carta Abierta al Aprendiz de Guionista

Este es un archivo que ya circuló, pero después de las excelentes recomendaciones de Mono de Metal me ha parecido adecuado recordar esta carta de Anne Huet, así que aquí os la dejo publicada...

Carta abierta...

... a un aprendiz de guionista

¿Por qué escribir?

Acabamos de describir algunas técnicas, contradicciones y peligros concernientes al guión. Pero una de las cosas primordiales que hay que cuestionarse, antes de empezar con la escritura, es el propio deseo de escribir. ¿Por qué molestarse en esta práctica difícil, al servicio de una película que no es siquiera El cine? ¿Por qué dedicar tanto tiempo a pulir situaciones, personajes que evolucionen, cuando, apenas esbozados, escapan a sus creadores encarnándose en actores necesariamente «extranjeros» a los personajes marginados durante esta etapa?

¿Qué es lo que empuja a escribir? El cine, un arte pulsional.
Lo que motiva el deseo es la carencia, el misterio, todo lo que se nos escapa. Partimos a descubrir nuestras historias y nuestros personajes, a la manera de detectives cautivados que intentan comprender cómo se ordena el mundo que nos rodea. Trátese de cine de ficción o de documental, el cineasta debe tener la ambición, ciertamente ilusoria, de explorar algo con un lápiz y, más tarde, con una cámara que busca, sin saber precisa- mente lo que puede encontrar y comprender, un fragmento del misterio del que quiere hablar y que quiere filmar. Es lo que expresaba Gilles Deleuze cuando decía: «Hablamos del fondo de eso que no sabemos, de su propio subdesarrollo en sí».

¿De dónde vienen las ideas?

La primera pregunta que puede actuar como obstáculo de la escritura será la del tema: ¿qué historia contar? A menos que uno tenga un tema claramente identificado, que nos taladra, la cuestión de la fuente de las ideas se plantea. Para la mayoría, se trata de observaciones por todas partes. El interés por un tema no se inventa, pero se cultiva y se alimenta. También están las lecturas, sin hablar de un proyecto de adaptación de una novela. Todos los relatos, las películas o incluso un fragmento de música, son propicios a los vagabundeos quiméricos que alimentan nuestra imaginación. Todo lo que nos llega de un afuera, cuando nos pertenece un poco, motiva la escritura. También los sucesos han alimentado habitualmente el cine. ¡La vida a menudo nos ofrece más imaginación, riqueza e imprevisión que nuestra propia invención. Una escena observada en el metro, en la terraza de una cafetería, durante una comida familiar, la experiencia de una ruptura amorosa, todo puede provocar la elaboración de una historia si uno les pone todo lo que resuena en nosotros y si sabemos conservar un estado de disponibilidad ante lo que nos rodea. Pero un guión, y menos aún una película, no es una buena idea que nos alegraremos de haber encontrado, como un científico, la fórmula milagro que abrirá todas las puertas de los descubrimientos. Un guión no es un pitch, el cine no se resume en una frase. Pues aunque «lo exterior» aporta pistas insospechadas, sólo es productivo si coincide con nuestra interioridad. No haremos nada con la mejor idea del mundo si no toca nuestra intimidad, que a menudo nos es oscura. La cuestión es: ¿qué tiene que ver esa historia con nosotros? ¿Cuáles serán nuestras armas para que nuestro pequeño mundo singular, pero con sus límites, se transforme en simbólico para concernir al mayor número de espectadores? Se trata de la parte de misterio, que ya hemos evocado, y que no se aprende. La escritura requiere que se tomen decisiones a cada momento. En este sentido el punto de vista del autor es esencial. Sin embargo, existen numerosas trabas antes de poder alcanzar este objetivo: el miedo a desvelarse completamente, el temor de agotar el tema propio, de descubrir que uno no tiene nada que decir, la pereza de ahondar en lo más íntimo de la propia expresión. ¡De algún modo, uno tendría que tener la valentía de sus historias! Aunque todas hayan sido narradas mil veces, la tuya todavía interesará al público si el punto de vista que pones en juego es singular. Un tema que uno empieza a escribir tendrá que pasar la prueba del tiempo que impondrán las múltiples versiones del guión. En efecto, existe el riesgo de que pasen meses, cuando no años, entre el día en el que surge la idea y el de la primera proyección. La tenacidad consiste en tener una historia que contar que nos implique verdaderamente. Sin duda, no hay que buscar un tema, sino encontrarlo, en el sentido de que no se puede forzar a la buena idea a que venga. Volvamos, a través de una anécdota casi tan absurda como simpática, a Alfred Hitchcock, al que ya hemos convocado mucho en este libro. Él explica a Francoís Truffaut la aventura del guionista que se levanta cada mañana convencido de que todas las noches tiene ideas geniales, pero que cuando despierta es incapaz de acordarse. Decide entonces dejar a los pies de su cama una libreta y un lápiz para despertarse por la noche y anotar todas sus ideas antes de que se evaporen. Una mañana se despierta y ocurre la misma catástrofe: es cierto que se le ha escapado un tema sublime. Pero de repente se acuerda del pequeño dispositivo que ha organizado y corre a su cama para abrir su libreta, en la que, en efecto, lee sus notas nocturnas: chico conoce a chica (Boy meets girl).

Pequeños consejos de cocina

La precisión es una de las cualidades principales de un guión. Lo que no significa que se tengan que esclarecer a todo coste las cuestiones esenciales, con la intención de que sean fácilmente identificables y comprensibles. Al contrario, si tu película abre varias perspectivas y ofrece diferentes interpretaciones, será más rica. Si el guión deja lugar a la confusión, a lo indecidíble, eso puede ser interesante. Sigue atento a las opciones que privilegias en la escritura y con respecto a aquello que te parece evidente, no olvides que el lector no está en tu cabeza y que no puede adivinar lo que no figura sobre el papel. ¡Uno sólo lee en el guión lo que se encuentra en él! Aunque la escritura de un guión no es un ejercicio literario, la elección de las palabras para describir un lugar o un personaje tiene que ser acertada y bien medida. También aquí, ganarán si son concisas y evocadoras. Más o menos rápido, tras semanas de escritura, titubeos, consejos de lectores exteriores, llegarás a un momento de lasitud en el que sentirás que lo has perdido todo: tu tema, tus personajes, los destinatarios de esta historia, incluso las ganas de explicarla. Sin embargo, es justo en ese momento cuando tu relato emerge y empieza a perfilarse, cuando se atraviesa la barrera entre lo general, fácil de escribir, y tu singularidad, más ardua de definir. Es importante estar a la escucha de esos momentos de vacilación, véase de perdición. Tienes la sensación de extraviarte mientras que tal vez es lo contrario, estás a punto de emprender la buena vía. Imprevista, pero más rica que la que habías trazado inicialmente. Cuando uno escribe un guión tiene que estar dispuesto a convertirse en Cristóbal Colón, que partió para descubrir las Indias y encontró las Américas. Antes de instalarte en tu mesa de trabajo para empezar a escribir, seguro que organizarás todas las estrategias de prevención posibles. Este «mariposeo» consiste en echar mano de todo para no empezar o no continuar escribiendo, haciendo funcionar tu imaginación de una manera que te sorprenderá incluso a ti. Es entonces cuando te entrarán unas ganas irreprimibles de tomar una taza de café, guardar un libro, poner un fragmento de música... En resumen. ¡Todo parece preferible a ponerse ante el teclado! Pero algunos momentos de distanciamiento también son saludables. Es inútil obstinarse, mientras que una pausa en la escritura será ciertamente benéfica para que las ganas se reaviven y las ideas vuelvan a la superficie; para que readaptes tu mirada sobre tu relato y tus personajes a fin de que sea más justa después tal vez sea el momento, ya que has perdido la buena distancia con lo que has escrito, para dar a leer tu manuscrito a lectores de confianza. Es decir, personas críticas pero benévolas que pueden instruirte sobre tu trabajo. Hay que elegir bien a estas personas poco corrientes para no perderse aún más. Sea como fuere, uno no puede evitar los numerosos momentos de desánimo, hay que saber que existen y no luchar contra ellos, pasarán. '

Los pequeños «elementos cacerola» del guión

Un punto flaco en el guión, detectado en el momento de la escritura pero conservado por negligencia o por pereza, no se resolverá en el momento del rodaje. Una escena floja en la escritura será difícil de rodar e igualmente difícil de montar. Si no es central en la historia tendrá muchos puntos para no figurar en la película. Aunque lo imprevisto a menudo es oportuno en un rodaje. ¡Los milagros aún son más raros!

El guionista «Principito»

El autor es responsable de sus personajes a partir del momento en que les ha hecho nacer en el relato. Y esta moral se aplica aún más para los cortometrajes. El cineasta Jean-Claude Biette consideraba que sería criminal hacer morir a un personaje en un relato corto. De la misma manera, hay que tener cuidado en no hacerlos desaparecer sin motivo. En el mismo orden de ideas, el autor no es superior, acompaña a sus personajes sin ridiculizarlos ni mostrar desprecio hacia ellos.

¿Cómo progresar?

Aunque propiamente hablando no haya recetas para escribir buenos guiones, existen al menos algunos puntos teóricos que es útil abordar. No nos cansaremos de aconsejar la lectura de novelas, guiones publicados, entrevistas a cineastas o a otros artistas hablando de su confrontación con la creación. Pero lo principal, elemental, es ver películas, muchas películas, de todos los géneros, de todas las procedencias, buenas y malas, ¡Todo es instructivo! Sea como sea, escribir un guión es ya de por sí mirar el cine de otro modo, de una manera menos pasiva, escogiendo otro punto de vista. Tu guión no será otra cosa que un proyecto, una estructura o un esqueleto que no requerirá sino ser transformado en las etapas que seguirán a la escritura y que harán que tu historia escrita negro sobre blanco se convierta en una película. El guionista, sobre todo si sólo es guionista, es decir si transmite sus poderes a un director, debe ser humilde y saber que el texto no va a dejar de sufrir transformaciones en el rodaje y en el montaje. Es perder en cada ocasión un poco de tu relato o tener una crisálida que se convertirá en una mariposa y cuyas diferentes etapas de transformación se te escaparán. Sólo en el momento del resultado final descubrirás la película acabada. No es el guionista quien hablará de la película en el momento de la promoción, sino los actores y el director. Pero tú, sin duda, tú, habrás pasado a otra historia... Acepta que haya vida que surja en tu guión pero también que sea transformada por personalidades diferentes a la tuya para que el director, los técnicos y los actores se lo apropien. En la escritura de un guión habrá forzosamente algo que falta, puesto que esta etapa nunca es la última. La escritura guionística carece forzosamente de cine.

ANNE HUET, 8 de septiembre de 2008